quinta-feira, outubro 31, 2013

Novas imagens para Son Lux


Para acompanhar o lançamento de Lanterns, Son Lux criou um teledisco para a canção Lost It To Trying, talvez o tema do disco mais próximo da linguagem trabalhada no mais recente álbum de Sufjan Stevens. Mesmo assim, assinale-se a adesão deste músico norte-americano ao espaço do teledisco.

Discos Pe(r)didos:
Men Without Hats, Folk Of The 80's (Part III)


Men Without Hats
“Folk Of The 80’s (Part III)”
Statik Records
(1984)

Surgidos em Montreal em finais dos anos 70, os Men Wiothout Hats representaram a mais visível expressão internacional de uma primeira geração pop electrónica canadiana. O EP de estreia Folk Of The 80’s, editado em 1980, mostrava uma pop minimalista e geométrica desenhada por sintetizadores, destacando a presença vocal (em registo de barítono) do vocalista Ivan Doroschuck, que se afirmaria desde logo como uma das principais características de identificação do som do grupo. Centrado em volta de Ivan e dos seus dois irmãos (apesar das muitas variações de line-up que a banda depois conheceu), os Men Without Hats foram globalmente projetados entre 1982 e 83 sob o impacte do single The Safety Dance e o sucesso do álbum de estreia Rhythm of Youth (que juntava aos ingredientes do EP de estreia um mais lúdico sentido de prazer festivo). Em 1984 o grupo lançou Folk Of The 80s (Part III), um segundo álbum de originais que, em linhas gerais, não se afastou muito das formas e demandas que o disco anterior neles mostrava. Where Do The Boys Go? foi o cartão de visita, mas mesmo seguindo a linha de algumas canções mais dançáveis de Rhythm of Youth, acabou longe de gerar o mesmo entusiasmo (talvez Unsatisfaction, I Know Their Name ou Messiahs Die Young, não muito distantes, tivessem sido alternativas a considerar). O disco junta, tal como fazia o álbum anterior, alguns temas desalinhados com o tronco eletro pop dominante. A balada para voz e piano I Sing First (Not For Tears) ou o mais longo devaneio em flirt progressivo Mother’s Opinion mantinham assim firme um gosto por experiências além das linhas pop luminosas para o formato de single, opção na altura partilhada por outros nomes da pop electrónica como os OMD ou Human League. Já o instrumental Eurotheme vincava uma ligação a sonoridades europeias da época, assumindo o grupo a consciência que, por enquanto, uma pop electrónica tão efusiva era coisa algo alienígena (e muitas vezes coisa de culto) daquele lado do Atlântico. Longe de ser sequer uma obra-prima, antes e apenas um saboroso um docinho pop trálálá, o segundo álbum dos Men Without Hats acabou coisa esquecida pelo tempo. Mas seria o ponto de partida para Love In The Age of War (2012), o segundo disco do grupo editado após a sua reunião em 2010.

James Blake vence Mercury Prize de 2013


James Blake venceu a edição 2013 do Mercury Prize – o mais conceituado em terras britânicas, nascendo diretamente de escolhas dos profissionais da indústria discográfica – com o seu segundo álbum de originais, Overgrown. Criado em 1992 para distinguir o melhor álbum editado no Reino Unido e Irlanda, o Mercury Prize distinguiu Screamadelica dos Primal Scream na sua primeira edição. Na edição de 2012 os vencedores foram os Alt-J. Nomes como os Suede, M-People, Pulp, Portishead, Antony & The Johnsons, Franz Ferdinand ou Arctic Monkeys já surgiram entre os distinguidos. Até hoje apenas PJ Harvey ganhou mais que uma vez, triunfando em 2001 e 2011, respetivamente com Stories of The City Stories of The Sea e Let England Shake.

Doc Lisboa 2013 (dia 8)


Para que não fiquem dúvidas, deixo desde já bem claro que sempre gostei (e muito) do álbum de estreia dos Stone Roses, LP que mora claramente entre o meu Top 20 dos melhores discos dos oitentas. Juntamente com singles como One Love ou Fool’s Gold, exteriores ao alinhamento de The Stone Roses (1989), o trabalho do grupo (de Manchester) representou, na reta final dos anos 80, um dos mais interessantes focos de acção sobre memórias e heranças da linguagens de finais dos sessentas, encontrando nelas um ponto de partida para diálogos com a cultura indie do seu tempo, a dada altura contribuindo também para o aprofundar da criação de um novo patamar de entendimento dos espaços pop/rock com os ecos da revolução que recentemente tinha brotado no espaço da música de dança. O impacte que o disco então teve não deixou ninguém indiferente, e muitos são os que também nele reconhecem um episódio maior na história da discografia pop/rock. Mas depois… Mas depois sucedeu-se uma longa batalha jurídica com a editora, afastando as suas atenções da música para outras preocupações. E quando regressaram, com um segundo álbum, o encantamento do primeiro tinha-se dissipado, um fim de linha chegando algum tempo depois. Apesar da quase unanimidade gerada em torno do álbum de estreia, o segundo disco dividiu opiniõpes, com mais polegares para baixo que para cima. Esta divisão pode aplicar-se agora a The Stone Roses – Made of Stone, filme de Shane Meadows (o mesmo realizador de This Is England), que tem tudo para encantar os admitadores do grupo, mas pouco fará pelos que, desde 1989, neles não reconhecem senão um daqueles casos de inspiração pontual que gerou um momento e nada mais (e nem vamos falar dos seus concertos ao vivo, OK?).

Esse foco de atenções numa eventual busca do como e porquê aqueles quarto homens aparentemente desinteressantes (pelo menos é essa a imagem que deles este filme hoje mostra) terão gerado um disco tão marcante em 1989 seria um belo ponto de partida para um filme… Mas o que este documentário (que hoje passa no Lux às 23.00) ilustra não é senão o momento da sua reunião recente, com digressão logo a seguir.

A câmara de facto entra no seu mundo. Encontra-os antes da conferência de imprensa que anunciou a reunião, vai com eles à sala de ensaio, escuta os pequenos grandes dramas que se sucedem, e acaba por subir ao palco. Pelo caminho junta imagens de arquivo, lembra canções… Mas há pouco mais aqui que um olhar sobre o que acontece, não parecendo o filme querer ir mais além do que poderia ser um making of para um extra de um eventual filme-concerto. Para uma oportunidade de tamanha intimidade (ou aparente intimidade) com um grupo em tempo de reunião, o filme acaba por não revelar muito mais senão o que são os gestos, as graçolas, as conversas, as canções. A câmara consegue ser invisível. Mas não vê senão o que tem pela frente.

Para recordar canções de Lou Reed (4)



Mais uma entre as muitas canções que podíamos aqui recordar entre a extensa obra de Lou Reed. Descobrimo-la numa primeira versão, com uma abertura imponente e elétrica, na banda sonora de Até ao Fim do Mundo de Wim Wenders. Pouco depois What’s Good reapareceu, numa forma mais curta, como single de apresentação de Magic and Loss, o álbum que sucedeu, em 1991, ao brilhante New York.

quarta-feira, outubro 30, 2013

Num filme, com Justin Timberlake

Justin Timberlake tem mais um teledisco para uma canção da segunda parte do díptico The 20/20 Experience. Para acompanhar TKO, o músico contracena neste pequeno filme com a atriz e modelo Riley Keough, que é neta de Elvis Presley.

Novas edições:
Son Lux, Lanterns

Son Lux
“Lanterns”
Joyful Noise Recordings
4 / 5 

É verdade que tinha passado longe das atenções quando se estreou em 2008, com At War With Walls & Mazes, apesar da caução que lhe era naturalmente concedida pelo facto de gravar para a a Anticon, editora responsável por alguns dos títulos mais estimulantes de uma música nascida de pólos de reflexão (e transformação) a partir do universo do hip hop. Mas o lançamento, em 2011 de We Are Rising gerou entusiasmo (pelo menos por estes lados), revelando uma música que ia bem para lá dessas relações estruturais com o hip hop para buscar uma noção de linguagem contemporânea capaz de diálogos ainda mais abrangentes, de alguma forma juntando-se às demandas de um Sufjan Stevens nas periferias dos espaços da música popular, abrindo espaços de comunicação com uma lógica mais experimental (atenta mesmo a formas da música contemporânea), mas sem perder nunca a consciência da canção como peça celular de um corpo em construção. Não surpreendeu que, depois, Son Lux (o nome pelo qual se apresenta o norte-americano Ryan Lott) se juntasse a Sufjan Stevens e a Serengeti para formar o trio S / S / S, com o qual editou um EP em 2012, ano em que, em regime de auto-edição, apresentou ainda um disco de remisturas dos temas do álbum de 2011. De então para cá trabalhou em cinema, partilhou palcos com Philip Glass ou Laurie Anderson e está a preparar, com os companheiros de aventura S / S/ S um trabalho para uma retrospetiva de Jim Hodges a apresentar no Walker Museum of Art em 2014. Este ano assinou por uma nova editora e, depois de dois singles (sem expressão senão nesse formato) apresenta agora um terceiro álbum de originais. Uma vez mais vemo-lo longe do burburinho que tantas vezes faz falta para transformar um bom disco num caso de maior (e justificada) visibilidade. Lanterns continua, de certa forma, a história onde We Are Risng a deixara há dois anos. Com um maior batalhão de colaboradores, entre os quais Chris Thile (The Punch Brothers), Peter Silberman (The Antlers), DM Stith, Lily & Madeleine, Darren King (Mutemath), Son Lux mantém firme a vontade em trabalhar uma música complexa, feita de acontecimentos que distribui por camadas, arrumando espaços cénicos onde as canções ganham forma. A mesma relação com ecos do minimalismo, um interesse pela criação de ambientes e uma sintonia clara com os caminhos que o mais recente álbum de Sufjan Stevens lançou (esbatendo fronteiras entre a coisa pop e a coisa erudita) fazem de Lanterns uma peça em tudo familiar com o que escutámos em We Are Rising. Há contudo uma maior nitidez na composição, uma valorização da forma clássica da canção, sem contudo que isso implique uma perda de sentido aos azimutes pelos quais lançara as visões sedutoras desse seu disco anterior. E assim se confirma: Son Lux é nome a continuar a acompanhar.

DocLisboa 2013 (dia7)

O cinema é usado como propaganda desde que (muito cedo) se reconheceu estar ali uma poderosíssima ferramenta de comunicação. Dos filmes que levaram a mensagem da revolução em carruagens de comboio feitas salas de cinema que correram a URSS depois de 1917 à celebração da iconografia (e do poder) nos documentários de Leni Riefenstahl, a história da propaganda no cinema é realidade bem conhecida e discutida. Mas o filme que o DocLisboa amanhã apresenta pelas 18.30 numa sessão especial no Cinema São Jorge (repete dia 3 às 17.00) traz-nos de facto algo de novo: como funciona a máquina de propaganda pelo grande ecrã na Coreia do Norte?

Com o título The Great North Korean Picture Show, o documentário de James Leong e Lynn Lee é uma produção mande in Singapura que nasceu de uma longa espera por autorizações que, uma vez chegadas, abriram janelas a uma realidade que aqui se mostra e comenta (porém sempre na companhia de guias e sob o olhar da censura, como de resto era premissa desde logo apresentada aos realizadores para que o seu trabalho pudesse acontecer).

Com legendas que vão dando conta da evolução do processo de rodagem e do contexto em que estes olhares aconteceram, o filme caminha entre a escola de cinema em Pyongyang ou os estúdios onde muitos títulos foram filmados. Acompanhamos grupos de estudantes (futuros atores) que para a câmara recitam o livro de estilo autorizado. Visitamos o museu do cinema, que, como os filmes que recorda, celebram invariavelmente o culto personalizado da figura do grande líder. Mais que apenas a moldagem de uma ideologia, a imagem da indústria do cinema na Coreia do Norte que o filme traduz expressa, precisamente, o culto do líder, que surge retratado como se outros seres pensantes ali não pudessem existir. Os autocarros a cair de ferrugem que vemos nas ruas, os décors precários onde vemos uma rodagem e os cenários decadentes e estereotipados que habitam os estúdios, juntam-se aos momentos de construção, sem margem para liberdade, de todo um ideário de gestos e palavras que professores moldam nos alunos de cinema. Resta-nos apenas poder ver que filmes ali nascem. Mas suspeitamos que, pela amostra do contexto em que nascem, não fujam muito (ou nada) ao que o grande líder gostaria de ver.Ou que fosse visto...

Para recordar canções de Lou Reed (3)


Continuando a recordar canções de Lou Reed hoje recuamos a 1989 e ao alinhamento do álbum New York, que então assinalou um certo renascimento criativo após uma década de 80 vivida entre discos menores. Lembramos assim o teledisco que então acompanhou a chegada do single de avanço: Dirty Boulevard.

Sound + Vision Magazine
hoje às 18.45 na Fnac Chiado

Hoje o Sound + Vision Magazine - a partir das 18.45 na Fnac Chiado - vai ter como foco central a história do relacionamento do cinema com as memórias do Holocausto, naturalmente tendo como ponto de partida a recente edição de 'Shoah', o colossal documentário de Claude Lanzmann que é referência central deste mesmo universo.
A recente notícia do desaparecimento de Lou Reed não passará a leste desta edição do Sound + Vision Magazine, que dedicará também alguma atenção ao grande ícone da história da cultura rock.
Entre os novos lançamentos passaremos também por Reflektor, o novo álbum dos Arcade Fire acabado de editar esta semana e que é desde já um dos grandes acontecimentos discográficos de 2013.

terça-feira, outubro 29, 2013

Outros cantos de fé

O novo disco do coletivo sueco I Break Horses chega em inícios de 2014. Mas há um novo single para ouvir, com teledisco a acompanhar. Aqui fica então o novo Faith.


Novas edições:
Oneohtrix Point Never, R Plus Seven

Oneohtrix Point Never
“R Plus Seven”
Warp Records 
4 / 5 

Por vezes nada como ter a “caução” de alguém ou a representação do seu trabalho num “lugar” para que uma obra ganhe outra visibilidade (e dimensão). O projeto Oneohtrix Point Never, através do qual o norte-americano Daniel Lopatin tem editado parte significativa da sua obra pode dever o (merecido) entuisasmo generalizado que o seu novo R Plus Seven está a conhecer a uma série de fatores recentes. Fatores que não secundarizam os valores musicais que fazem deste um dos grandes lançamentos da reta final de 2013 mas que, garantidamente, cativaram atenções. Um deles terá sido o facto de, em 2011, Lopatin ter sido convidado pelos Animal Collective para atuar no All Tomorrow's Parties, facto que chamou mais atenções para Replica (2011), o sucessor do já de si promissor Returnal (2010) e que poderá ter tido como uma das suas consequências a aproximação da Warp Records, que entretanto o chamou para o seu catálogo. Mas mais recente, e certamente mais influente sob o apetite com que muitos acolheram o novo disco, estará certamente o facto de ter colaborado na banda sonora de Bling Ring, o mais recente filme de Sofia Coppola e um dos casos notáveis de boa relação do cinema com a música entre os títulos que passaram já pelos ecrãs este ano. Não podemos contudo reduzir R Plus Seven a um alvo de atenções de entusiasmo hipster. O disco fala por si e mostra como, depois do foco essencialmente apontado à criação de texturas e cenografias que Lopatin apresentou em 2012 no álbum Instrumental Tourist (que co-assinou com Tim Hecker), agora procura uma reflexão mais vincada no campo da composição de um discurso que tanto procura a exploração da melodia como de uma estrutura rítmica mais ordenada. Desde a faixa de abertura são evidentes os motivos de interesse sónico que evocam sonoridades com genética em eletrónicas dos oitentas (terrenos In The Nursery e afins) e uma curiosidade evidente pelas estéticas da repetição que toma Glass e Reich por paradigma, mas que se aproximam aqui mais aos espaços de diálogo com terrenos sónicos então algo próximos da pop como os que em tempos escutamos nas primeiras edições em disco de Wim Mertens ou de Peter DeHavilland. Disco instrumental, R Plus Seven não esquece a relação cara que Lopatin parece ter com as eletrónicas ambientais. Mas é na vibração luminosa das linhas que repete e no fulgor rítmico que aqui frequentemente visita que nasce a alma de um disco que tem tudo para ser ser um dos títulos mais sedutores deste final de ano.

DocLisboa 2013 (dia 6)

Prestem atenção e fixem este nome: Diogo Baldaia... Ele é o realizador de Fúria, uma curta-metragem documental que podemos ver como parte da secção Verdes Anos, da edição deste ano do DocLisboa (passa hoje, em sessão única, na Sala 3 do Cinema São Jorge pelas 16.15) e que é simplesmente um dos melhores documentários made in Portugal que vi nos últimos meses.

Sem talking heads, todo o texto habitando assim o contexto, Fúria leva-nos a um clube de boxe num bairro que não é de gente rica. Um clube com uma classe para iniciados que ali vemos, luvas nas mãos, ensaiando os gestos, os passos e os socos. Que são prática de um desporto mas também veículo de libertação de uma agressividade (que, como o desejo de competir, não são de estranhar naquelas idades). É entre sorrisos e momentos de atenção que, juntos, treinam. Com o mesmo fulgor e dedicação com que depois correm de bicicleta ou brincam lá fora.

A câmara escuta os seus movimentos, desviando-se a aproximando-se como numa dança de passos que quer ver e ser atenta, transportando-nos para aquele espaço, as suas regras e ritmos. Assistimos aos treinos, aos olhares que se cruzam, à competição, à vitória de uns e derrota de outros. Sem palavras que não as que a verdade criou naqueles momentos, Fúria sabe afinal contar uma história. Não nos diz exatamente quem são aqueles miúdos. Mas ainda é cedo para invadirmos os seus nomes. Haverá tempo para isso.

Para recordar canções de Lou Reed (2)


Recordando canções de Lou Reed hoje avançamos até 1990 e ao momento em que se juntou com o antigo companheiro (dos dias dos Velvet Undreground) para cantar a memória de Andy Warhol, desaparecido poucos anos antes. Do álbum Songs For Drella, que Lou Reed criou em conjunto com John Cale, aqui fica Nobody But You.

segunda-feira, outubro 28, 2013

Estrada fora (entre as montanhas)

Os Dirty Projectors criaram mais um teledisco para uma canção do alinhamento do seu mais recente Swing Lo Magellan. Escolheram o tema Impregnable Question, que o realizador Adam Newport-Berra transportou para cenários entre as montanhas dos partes de Yellowstone e Grand Teton.

Novas edições:
Arcade Fire, Reflektor

Arcade Fire 
“Reflektor” 
Merge / Universal 
4 / 5

Há dez anos eram uma banda oriunda de Montreal (no Canadá), com um promissor EP de estreia que muitos só (re)descobriram depois do fenómeno de aclamação crítica gerado em 2004 pelo álbum de estreia. Uma década depois, e perante um cenário discográfico que ainda tem pela frente um álbum de Lady Gaga, uma nova antologia de gravações na BBC dos Beatles ou um registo ao vivo dos Rolling Stones, Reflektor, dos Arcade Fire, a editar segunda-feira, tem tudo para ser o disco de que mais de vai falar nesta reta final de 2013.
Curiosamente o ano não tinha começado bem para o grupo. Em janeiro o telhado da igreja que até aqui tinha funcionado como o seu estúdio, colapsava, obrigando-os a procurar novas casas, entre outros tendo passado pelos espaços da DFA Records, de James Murphy. Em julho confirmavam via Twitter que editariam novo disco no outono. E em inícios de setembro Reflektor, uma espantosa canção de sete minutos (com participações de James Murphy, Owen Pallet e David Bowie) revelava uma mais evidente presença de eletrónicas e um fulgor rítmico apreendido na música de dança, confirmando que o regresso acontecia com o delicioso sabor a algo novo. Um filme de 20 minutos, de Roman Coppola, com presenças de figuras como Bono ou Ben Stiller, apresentaram pouco depois mais algumas novas canções... E a cada novo tema a noção de novidade ganhava um viço capaz de entusiasmar quase como o havia feito o disco de 2004.
A história dos Arcade Fire nunca tinha conhecido um tão vincado mergulho para além do rock de caracter épico e dos arranjos de dimensão sinfonista que caracterizaram a estreia em Funeral (2004) e o sucessor em continuidade que nascera depois em Neon Bible (2006). Editado em 2010, The Suburbs recuara na ousadia rumo a um encontro com valores mais clássicos da cultura rock, revelando contudo o empolgante Sprawl II, sinais de um relacionamento com as electrónicas que, não imaginávamos na altura, acabou por estabelecer uma ponte com o que agora escutamos em Reflektor.
Fique contudo claro que o quarto álbum dos Arcade Fire nem é um disco de música eletrónica nem mesmo um álbum criado a pensar na pista de dança. Estamos antes perante um disco que nasce de uma vivência na cultura indie rock mas que abre mais que nunca os horizontes à presença de sintetizadores (sob ecos de sonoridades dos anos 80, como se escuta em Exist, Porno ou Afterlife, o novo single pelo qual passam ecos dos espaços por onde os New Order já caminharam - escute-se Temptation) e das percussões.
Com uma aquitetura rítmica bem definida pela produção, arranjos elaborados e sem perder o gosto pelo grande e o eloquente, Reflektor é um álbum capaz de seduzir o gosto alternativo e está a ser trabalhado por uma campanha (que inclui mesmo iconografia da cultura vudu haitiana) que o não deixará a leste das atenções do público mainstream.
Raras foram as bandas que, vivendo o sucesso num patamar de dimensão global, arriscaram mudar de rumo para se reinventar. Os Beatles fizeram-no, é verdade, e várias vezes. Os U2 também, ao som de Achtung Baby e Zooropa. Podemos até falar dos Radiohead na etapa Kid A / Amnesiac... Talvez não seja tão ostensiva a mudança que Reflektor propõe face à obra anterior dos Arcade Fire. Mas perante um álbum de relativamente banal relação com paradigmas do rock clássico (ou seja, o popular, mas musicalmente menos inventivo The Suburbs), o novo disco do grupo canadiano é uma das boas notícias que o mundo da música popular nos traz nesta reta final de 2013. A presença do ex-LCD Soundsystem James Murphy na equipa de produção (e recorde-se que Win e Regine Butler cantaram no concerto de despedida do seu grupo e que em 2007 editaram juntos um split-single) expressa-se numa mais firme relação com as eletrónicas e uma mais vincada expressão das percussões. O alargamento das canções a outros universos (como o dub em Flashbulb Eyes , um piscar de olhos ao glam rock em Joan of Arc, um flirt mais ambiental em Supersymmetry ou um festim quase pop em Here Comes The Night Time) contribui também para a criação de um álbum duplo que, entre um disco 1 mais efusivo e um disco 2 mais implosivo, confirma nos Arcade Fire de 2013 um caso de saudável reinvenção. Não repete o patamar do disco de 2004. Mas é o melhor que editam desde então.

PS. Este texto é a versão editada (e aumentada) de dois outros originalmente publicados na edição de  24 de outubro do DN sob o título 'Ao quarto álbum os Arcade Fire recuperam o viço que os viu nascer'.

Para recordar canções de Lou Reed (1)

Ao longo desta semana propomos reencontros com algumas canções de Lou Reed. Começamos com Satellite of Love, tema originalmente gravado para o alinhamento do álbum Transformer, de 1972, que conheceu depois expressão em tantas outras vidas, da banda sonora do filme de Todd Haynes Velvet Goldmine (1998) à versão assinada pelos U2 em 1991, incluída no alinhamento do single One.

DocLisboa 2013 (dia 5)

12 de fevereiro de 2012. Uma performance de 40 segundos frente ao altar de uma catedral em Moscovo acabaria por fazer história. Encenada como um protesto ao apoio da igreja ortodoxa russa à reeleição de Putin, a acção acabaria punida com extrema severidade pelo sistema judicial russo, levantando vozes de protesto que ecoaram pelo mundo. Pussy Riot: A Punk Prayer, filme de Mike Lerner e Maxim Pozdorovkin que integra a secção Heartbeat do 11º DocLisboa (repete amanha às 16.30 no Cinema São Jorge), recorda não apenas a performance e as suas consequências sobre as ativistas que a desencadearam, mas serve também de pólo de observação sobre não apenas um regime cuja ginástica democrática parece ser coisa ainda dominada por séculos de tradição autocrática e a intolerância religiosa que entretanto ali parece ter florescido, como também sobre o papel que a mulher tem na atual sociedade russa.

Nadia, Masha e Katia são as três figuras do coletivo Pussy Riot que enfrentaram os tribunais e as suas sentenças, num processo que elas mesmas descrevem como uma encenação. O filme recorda as imagens da performance, mas acompanha sobretudo o julgamento e escuta opiniões, tanto junto dos que estão próximos destas três mulheres. Em entrevistas individuais, encarnam sempre a vivência no coletivo na terceira pessoa do plural. A “elas” devemos assim uma possibilidade de ver e poder refletir como este caso espelha o déficit democrático e a falta de respeito (e tolerância) para com ideias diferentes na Rússia atual.

O filme toma um partido. Tem um ponto de vista. Nada contra, acrescente-se. Demonstra o poder em potência destas formas de luta pela guerrilha performativa. E contribui para acentuar ainda mais a transformação destas ativistas em ícones de uma maneira de estar na vida pública do nosso tempo, agindo através da arte em favor de uma ideia. Se incomoda o poder, melhor ainda. Afinal não foi sempre essa uma das várias intenções da pulsão artística?

domingo, outubro 27, 2013

Lou Reed (1942-2013)

Morreu, aos 71 anos, um homem que representava, como poucos, a ideia do músico de rock. Era mesmo o paradigma dessa ideia mítica. Dono de uma voz única, começou por criar canções para jukeboxes, mas em finais dos anos 60, e a bordo dos Velvet Undreground, ajudou a inventar aquilo a que hoje chamamos o rock alternativo. A sua discografia é extensa, com títulos tão marcantes que são também referências da história da própria cultura rock. Exemplos? O influente 'Transformer' (1972) que criou na companhia de David Bowie. O único e muito pessoal 'Berlin' (1973), também ele paradigma de uma forma de cantar o lado "errado" da vida urbana do seu tempo. Mais tarde o belíssimo 'New York' (1989), que assinalou um renascimento criativo. Ou o espantoso 'The Raven' (2003) que parte do poema homónimo de Edgar Allan Poe para criar uma das obras-primas da sua discografia.

Hoje, a assinalar o desaparecimento do músico, assino uma coluna de opinião no especial de duas páginas publicado na edição impressa e e-paper do DN.

Ali digo: "Ainda há poucos dias falava sobre Lou Reed com um amigo. E notávamos como era dono de uma "voz" única (tanto aquela com que cantava como a que tirava da guitarra). Um exemplo (e era o motivo da conversa): a versão que acabara de editar de Solsbury Hill de Peter Gabriel em And I"ll Scratch Yours. Uma leitura intensa e elétrica. A canção não era mais de Gabriel. A canção era de Lou Reed. Foi a última que editou em vida."

Pode ler o texto completo aqui.

Esta semana recordaremos aqui alguns momentos marcantes da sua obra, em escolhas claramente pessoais. Tendo de começar por algum lado, escolho Hello It's Me. É uma memória de Andy Warhol (figura que apadrinhou os Velvet Underground em início de carreira), assinada em conjunto com John Cale no álbum 'Songs For Drella', de 1990.

Hal Needham (1931 - 2013)

O seu trabalho constitui um capítulo central na história dos duplos no cinema de Hollywood: Hal Needham faleceu no dia 25 de Outubro, em Los Angeles — contava 82 anos.
Distinguido com um Oscar honorário em 2012, numa cerimónia em que foi apresentado por Quentin Tarantino [video], Needham trabalhou ao longo de mais de quatro décadas na indústria americana, primeiro como duplo, depois como supervisor de muitas proezas físicas de duplos: A Conquista do Oeste (1962), O Pequeno Grande Homem (1970) ou Chinatown (1974) são apenas alguns dos títulos a que o seu trabalho ficou ligado. Entre os seus filmes como realizador, inclui-se Hooper (1978), uma comédia centrada, precisamente, nos bastidores da vida dos duplos.


>>> Obituário no New York Times.
>>> Governors Awards: Hal Needham.

Reggio visitou Glass (mais uma vez)


Esteado em 1982, Koyaanisqatsi seria ponto fulcral para uma série de descendências, talvez mais que aquelas que os seus criadores alguma vez tivessem imaginado. Olhar pessoal e poético sobre o mundo em que vivemos, num confronto de imagens que caminhava da placidez de uma ordem natural para o frenesi da vida urbana, o filme abriu espaço para uma forma de criar retratos pelo cinema, das suas heranças tendo nascido uma série de outros títulos, da própria trilogia que o realizador Godfrey Reggio haveria de concluir já depois da viragem do milénio (com Naqoyqatsi em 2002, longos anos após Powaqqatsi, de 1988) às experiências “a solo” de Ron Fricke, o seu diretor de fotografia que apresentaria mais tarde, em nome próprio, filmes como Baraka (1992) ou o mais recente Samsara (2011). Igualmente marcante (e central) em Koyaanisqatsi foi a presença de Philip Glass que ali assinou uma banda sonora que não só representou uma experiência determinante para aprofundar a sua relação com o cinema como definiu um espaço de expressão maior da linguagem que vinha a desenvolver com o seu ensemble desde finais dos anos 60 e que, mais que muitas outras das suas obras “electrónicas” teria profunda influência nas gerações seguintes de músicos na área do techno e periferias. Koyaanisqatsi encetou assim um relacionamento entre o realizador e o compositor, do qual não só resultariam os demais títulos da trilogia ‘qatsi’ como também Anima Mundi (1992). Estranha ausência na programação do DocLisboa, o novo filme Visitors (estreado em Toronto) assinala o reencontro entre Reggio e Glass onze anos depois de Naqoyqatsi, filme onde também colaborava o designer Jon Kane, que aqui é novamente uma presença central. Filmado a preto e branco, Visitors é feito de um conjunto de 74 planos contemplativos, nos quais ora vemos rostos humanos ora olhares sobre espaços que são, no fundo, os cenários em volta destes visitantes vivos que o povoam. Ao pensar a música de Visitors, Philip Glass procurou, por um lado, um sentido de placidez que mora nos antípodas da veloz sequência mais célebre de Koyaanisqatsi. Recorre a uma orquestra (tal como em Naqoyqatsi), mas retira o protagonismo de um instrumento solista (como ali acontecera). E retoma, numa linguagem orquestral e lírica, um relacionamento com a noção de repetição como há muito a sua música não visitava.